5 художников, которых нужно знать всем, кто хочет разобраться в современном искусстве
Выставка Дэмиена Хёрста в галерее Гагосяна в ЛондонеLegion-Media
В мире современного искусства каждый день рождаются идеи, разрушающие границы привычного восприятия. Художники используют новые медиа, необычные материалы и смелые концепции. Большинство из них остаются незамеченными, но есть те, чьи работы оставляют след. Пять художников из этой подборки прославились своими произведениями и перфомансами, а также задали новые тренды в современном искусстве. Их работы сегодня оцениваются тысячами и миллионами долларов.
КсенияАльтенталлер Искусствовед, создатель сети арт-пространств Casa Picassa
Гильермо Гарсиа Лорка
- Чили
- Максимальная оценочная стоимость работы: 100 000$
Гильермо Гарсиа Лорка — представитель магического реализма в живописи, его произведения сочетают реалистичную технику с мистическими, сюрреалистическими сюжетами. Художник вдохновляется мифологией, детскими страхами и мечтами, создавая картины, которые одновременно притягивают и пугают зрителя. Его работы часто сравнивают с произведениями Веласкеса и Рембрандта за драматическое освещение и глубину. Лорка, на сегодня, один из самых востребованных художников в мире. Дважды в год у него проходят мировые выставки, а его полотна покупаются за суммы с пятью нулями.
Гильермо Гарсиа Лорка, «The English Bed — Tiger and Woman», 2018Официальный сайт художника guillermolorca.com
«Гигантские кошки с желтыми глазами, девушки-ангелы и неведомые существа формируют одновременно тревожный и нежный мир, в котором уживаются красота, ужас, желание, страх, роскошь, паранойя и удовольствие…», — описание выставки Лорки, которая скоро состоится в Барселоне.
Гильермо Гарсиа Лорка, «The Landing», 2019Официальный сайт художника guillermolorca.com
В своем творчестве Лорка соединяет магический реализм Габриэля Маркеса, предельный реализм Диего Риберы, эмоциональность Франсиско Гойи и техническое совершенство Гюстава Доре. Он погружает аудиторию в мир детских страхов и фантазий. Сам художник о своих работах говорит так: «Мне нравится противостояние противоположных сил: нежность против ужаса, жизнь против смерти…».
Одд Нердрум
- Норвегия
- Максимальная стоимость проданной работы: 430 000$
Одд Нердрум — мастер фигуративного искусства, который сочетает классические техники с сюрреалистическими сюжетами. Он исследует вечные темы человечества: одиночество, конфликт и мифы. Создал собственную художественную философию под названием «китч», позиционируя ее как противопоставление современным концептуальным трендам.
Его имя — синоним скандала. В родной Норвегии власть сфабриковала на Недрума дело о неуплате налогов и посадила в тюрьму. Приговор содержал пункт про запрет создания новых картин. За ходом этого процесса следил весь мир.
Одд Нердрум, «Sleeping courier»Официальный сайт художника nerdrum.com
Нердрум ненавидит Вермеера за «намеренный эстетизм», а модерн и поп-арт для него — синонимы деградации. Он считает себя «старовером» и своими кумирами называет Рембрандта и Достоевского.
Работы Одда Нердрума отличаются провокационностью и жестокостью. Это предвестники апокалипсиса: мрачные пейзажи, изломанные тела, мертвые взгляды и глубокие смыслы. Самым известным произведением Нердрума стала картина под названием «Рассвет». Ее приобрел Дэвид Боуи, а после его смерти она ушла с молотка за 430 000 тысяч долларов. Именно эта картина вдохновила режиссера фильма «Клетка» на одну из самых ярких сцен в фильме.
Одд Нердрум, «Рассвет (Dawn)», 1989. Картина принадлежала британскому музыканту Дэвиду Боуи, с 2016 г. находится в частной коллекцииОфициальный сайт художника nerdrum.com
Сейчас Нердрум живет в Исландии. Родная страна от него открестилась, и он избрал новую родину. Свое творчество художник относит к китчу, потому что, по его мнению, и «лучшие картины Рембрандта, будь они написаны сегодня, тоже сочли бы китчем».
Чжэн Хуань
- Китай
- Максимальная оценочная стоимость работ: 600 000$
Самый коммерчески успешный художник Китая, который известен работами в жанре перформанс и использованием необычных материалов — золы и кожи. Его искусство обращается к культурным и социальным вопросам: памяти, идентичности и физической хрупкости человека. Работы Хуаня объединяют восточные традиции и современное искусство, создавая уникальный визуальный язык.
На заре своего творчества Чжэнь бегал голым, облившись красной краской, и резал пластиковых пупсов перед зданием правительства в Пекине в качестве протеста против закона об одном ребенке для одной семьи. Натирался медом и сидел в общественном туалете в течение часа, пока его облепляли мухи, в знак протеста против антисанитарии в бедных районах Пекина. Еще до Леди Гаги он одевался в костюм из сырого мяса и разгуливал по улицам Нью-Йорка, чтобы акцентировать внимание на животной природе человека. Он собирал добровольцев, которые кидали в него публично черствым хлебом, чтобы показать нелегкий путь ассимиляции иностранца в Америке. Затем внезапно, исчерпав свои идеи по публичному самоистязанию, он решил уйти в буддийский монастырь и стать монахом. Там его жизнь кардинально изменилась. Он впервые начал собирать пепел от сожженных благовоний и создавать из него картины.
Чжэн Хуань около своих портретов Мао Дзэдуна, выполненных с помощью нанесения пеплаGettyImages
3 года Хуань работал над огромным тональным 40-метровым портретом Мао Цзэдуна в окружении лидеров коммунистической партии Китая. Пепел как материал был призван показать недолговечность феномена власти.
В 2020 году Эрмитаж выставил 30 его работ, затем последовала выставка в московском ГУМе. Художник создал в своей авторской манере ремейки эрмитажных шедевров и знаменитых русских картин, одна из которых «Иван Грозный и сын его Иван» Ильи Репина.
Сейчас он отошел от перформансов и сосредоточился на живописи и скульптуре. В своей мастерской под Шанхаем вместе со 180-ю подмастерьями Хуань создает гигантские статуи и картины из несочетаемых материалов — пепла, мяса, металла.
Посетители московской выставки «Чжан Хуань. Любовь как мудрость» возле картины «Любовь №7», 2020 г.МИА «Россия Сегодня»
В интервью Чжэнь Хуань часто так говорит о своей философии: «Я считаю, что художник должен опираться на три основы. Первая — истина. Вы должны понимать, что вы делаете, для кого и зачем. Вторая — добро. Когда вы поймете, для чего вы что-то делаете, в вас должно пробудиться добро и милосердие, терпимость к людям и любовь. И третья — красота. Когда вы постигнете истину и добро, в вашей деятельности появляется красота. Без истины нет добра, без добра нет красоты».
Ансельм Кифер
- Германия
- Максимальная оценочная стоимость работы: 2 700 000$
Ансельм Кифер — один из самых влиятельных художников послевоенного времени. Его работы известны по всему миру и выставляются в крупнейших музеях, включая Музей Гугенхайма, MoMA и Центр Помпиду. В своем творчестве художник исследует историю, память и философию, часто обращаясь к травматическому мировому прошлому. Кифер критикует послевоенную идентичность Германии, опираясь на ряд культурных, литературных и философских источников, и работает в разных техниках — от картин и фотографий до скульптур и инсталляций.
Посетительница предаукционной выставки Sotheby’s около картины Ансельма Кифера «Der Morgenthau Plan»Legion-Media
Ансельм Кифер родился в 1945 году в небольшом городке Донауэшинген вскоре после окончания Второй мировой войны. Этот факт в значительной степени оказал влияние на его восприятие мира и творчество. В молодости Кифер изучал право, но отказался от него, чтобы посвятить себя искусству. Его учителем был Йозеф Бойс — культовая фигура, чьи идеи о трансформационной силе искусства легли в основу творчества Кифера.
В своих работах Кифер использует свинец, бетон, золу, высушенные растения, чтобы подчеркнуть связь между искусством и разрушением, памятью и возрождением. Он облучает материалы, погружает их в радиоактивную среду и разрушает полотна всеми известными способами, чтобы показать силу и красоту разрушения. Среди его увлечений — алхимия, которая часто становится метафорой преобразования человеческого опыта в искусство.
Посетительница предаукционной выставки Bonham’s около картины Ансельма Кифера «Für Paul Celan: Kenotaph»Legion-Media
В 2017-м году Кифер выставлялся в Эрмитаже в рамках выставки «Ансельм Кифер — Велимиру Хлебникову. Судьбы народов», посвященной 100-летию Октябрьской революции. В экспозиции было представлено более 30 работ, вдохновленных творчеством русского поэта-футуриста Велимира Хлебникова. Процесс работы над картинами художник описывает так: «У меня большая библиотека. Утром, перед тем как приступить к работе, я брожу меж стеллажей, беру какую-нибудь книгу и открываю ее. Так что я всегда общаюсь с великими из других веков. Они — мои критики.»
Дэмиен Херст
- Англия
- Максимальная стоимость проданной работы: 100 000 000$
Херст — один из самых провокационных и коммерчески успешных художников современности. Он исследует границы морали и красоты, поднимает вопросы о жизни, смерти и потреблении. Он автор самого дорого арт-объекта в истории искусства — платинового черепа, покрытого бриллиантами общим весом 1100 карат. Он изменил подход к формированию цен на искусство, что закрепило за ним статус культурного феномена.
Херст родился в 1965-м году в городе Бристоль, в Англии. Отец был автомехаником, а мама художницей-самоучкой. Они расстались когда Дэмиену было 12 лет. После этого будущий художник пустился «во все тяжкие». Его несколько раз задерживала полиция за разбой и мелкие кражи. Позднее буйный характер Дэмиена нашел выражение в искусстве.
Он поступил в экспериментальный колледж Голдсмит, где вместе с однокурсниками организовал свою первую скандальную выставку «Freeze». На этой выставке он экспонировал голову коровы в боксе с мухами и электромухобойкой. Мухи ели мясо, размножались и умирали от удара током на мухобойке, тем самым иллюстрируя цикл жизни и смерти. Работа называлась «1000 лет» и привлекла внимание миллионера Чарльза Саатчи, который предложил молодому художнику свое покровительство. Это сотрудничество принесло обоим миллионы. На деньги Саатчи Дэмиен Херст создал «Физическую невозможность смерти в сознании живущего» — это огромная 4-х метровая акула в формальдегиде, которая была продана за 6,5 млн фунтов стерлингов.
В 1993-м году на фестивале в Венеции художник презентовал скандальную скульптуру «Мать и дитя. Разделенные», после которой получил мировую известность. Эта леденящая кровь композиция призывала задуматься о потребительском отношении человека к животным и впервые поднимала эту тему с позиции искусства.
Дэмиен Хёрст, фрагмент инсталляции «Мать и дитя. Разделенные»Legion-Media
Продолжая диалог на тему разрушения, Херст в 2001 году выставил в галерее Eyestorm в Лондоне концептуальную инсталляцию. Она представляла из себя стол с грязной посудой, пивными бутылками и пепельницами, установленный рядом с мольбертом и стремянкой. Утром уборщик галереи принял это за остатки чьей-то трапезы, выкинул «мусор» в корзину и вытер стол, уничтожив таким образом весь труд художника. Эту историю обсуждали все мировые СМИ.
Следующей его скандальной работой стал знаменитый бриллиантовый череп, под именем «For the love of God». Это название часто ошибочно переводят как «Из-за любви к Господу». Но на самом деле у него более глубокий смысл, — это фразеологизм, который обозначает эмоциональное восклицание: «Господи, Помилуй!…». Эту фразу он часто слышал в детстве от своей матери, когда она в сердцах восклицала: «Куда ты катишься? Что с тобой будет?». По прошествии нескольких десятилетий Херст предоставил матери свой ответ, создав самый дорогой в истории искусства арт-объект. На его создание ушло 14 млн фунтов стерлингов, а продан он был за 100 млн долларов.
Дэмиен Херст, скульптура «For the Love of God»Legion-Media
Херст удивительным образом сочетает в себе качества творца, маркетолога и предпринимателя. Он очень хорошо чувствует тенденции в мире искусства и подстраивается под них. Когда в 2022 году должна была состояться его очередная выставка в Париже в доме Cartier, все ожидали традиционных ужасов и аллюзий на тему смерти. А Дэмиен выставил огромные розовые с голубым полотна с ветками сакуры, что опять вызвало серию скандалов и бурю негодования. Сам Херст часто подчеркивает, что самое ужасное, что может произойти с художником — это безучастность зрителя. Поэтому он создает свои работы в основном такими, как они есть, потому что боится безразличия.
